Utilisateur:Frédéric-FR/Brouillon/Œuvre d'exil de Caravage

David avec la tête de Goliath, l'une des toiles les plus sombres et désespérées que peint Caravage pendant sa période d'exil : la tête coupée de Goliath constitue un autoportrait du peintre.

La période d’exil de Caravage est la période durant laquelle le peintre lombard Michelangelo Merisi, dit « Caravage » est obligé de fuir la ville de Rome où il est accusé de meurtre, pour partir vers le sud de l'Italie et même jusqu'à l'île de Malte. Son exil s'étend sur un peu plus de quatre ans, de mai 1606 jusqu'à sa mort en juillet 1610, alors qu'il vient juste d'obtenir la grâce qui doit lui permettre de revenir sain et sauf à Rome.

Après avoir commis le meurtre qui va bientôt lui valoir une condamnation à mort par contumace, Caravage est d'abord contraint de quitter précipitamment Rome pour se réfugier dans les monts Albains du Latium. Il n'y reste que peu de temps : après quelques mois tout au plus, il part plus loin au sud pour y trouver plus de sécurité, dans la ville de Naples. Puis il décide d'embarquer vers l'île de Malte, comptant y trouver refuge mais aussi y accéder au statut de chevalier de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem. Peu de temps après, toutefois, il est contraint de fuir Malte après s'être trouvé mêlé à une nouvelle affaire de violence. Il se retrouve alors en Sicile, où il séjourne à Syracuse, Messine et Palerme. En 1609, il revient sur le continent et retrouve la ville de Naples, d'où il part enfin dans l'idée de revenir vers Rome où il pense obtenir un pardon de la justice du pape Paul V. Mais il meurt sur le chemin du retour, dans des circonstances mal connues, le 18 juillet 1610 dans le village de Porto Ercole.

Caravage produit sans doute au moins une vingtaine d'œuvres pendant cette période d'exil, dont le style très caractéristique fait écho à la difficulté de sa vie d'exilé et de condamné à mort. Sa palette s'assombrit considérablement, il fait évoluer l'espace de ses compositions et les thèmes qu'il traite se font également plus sombres, plus méditatifs, plus contemplatifs mais aussi plus morbides. C'est une période durant laquelle il réalise des œuvres parfois monumentales à dimension religieuse, ainsi que des peintures de commande — notamment des portraits — à destination de divers notables dont il espère obtenir des faveurs, parmi lesquelles une intercession auprès du Pape pour lui permettre de reprendre le cours de sa vie romaine.

Contexte et conditions de l'exil

La fuite de Rome

La « courtisane » Fillide Melandroni, qui pose pour Caravage (ici pour le Portrait d'une courtisane) mais se prostitue aussi pour Tomassoni, pourrait être l'objet de la violente dispute entre les deux hommes.

Originaire de Milan, puis installé à Rome au cours des années 1590, Caravage s'y fait connaître pour son art qui rencontre un succès grandissant au tournant du siècle, mais aussi pour son tempérament violent qui lui vaut différents démêlés avec la justice. Le plus grave incident se produit le 28 mai 1606, au cours des fêtes de rue à la veille de l'anniversaire de l'élection du pape Paul V, fêtes qui sont l'occasion de nombreuses bagarres dans la ville. Dans l'une d'entre elles, quatre hommes armés s'affrontent, dont Caravage et son ami Onorio Longhi qui font face à des membres et proches de la famille Tomassoni, parmi lesquels Ranuccio Tomassoni et son frère Giovan Francesco — pourtant identifié comme un « gardien de l'ordre ». Pendant ce combat, Caravage tue Ranuccio Tomassoni d'un coup d'épée ; lui-même est blessé.

L'événement fait beaucoup de bruit dans la ville, et une quantité d'informations plus ou moins vérifiées circule alors ; il y est question de bagarre à l'issue d'un match de tennis, ou encore de dispute à propos de dettes de jeu. Peut-être existe-t-il également une rancœur entre Merisi et Tomassoni à cause d'une femme, notamment Fillide Melandroni qui pose pour Caravage mais se prostitue aussi pour le compte de Tomassoni. Il est presque certain en tout cas que cette rixe se base sur une ancienne querelle, bien qu'il ne soit pas établi avec certitude quel en a été l'objet. Des tensions entre Onorio Longhi et les Tomassoni existent depuis longtemps déjà, et il est possible que Caravage soit simplement venu assister son ami Longhi dans cette vendetta, comme l'exige alors le code de l'honneur.

À la suite de ce drame, les différents participants s'enfuient pour échapper à la justice : Longhi part pour sa ville natale de Milan, tandis que les survivants du groupe de Tomassoni se réfugient à Parme. Pour sa part, Caravage entame son exil par les monts Albains dans la région du Latium, au sud de Rome. Sa destination précise reste débattue, entre les villes de Zagarolo, de Palestrina ou encore de Paliano ; dans tous les cas, ces localités offrent alors suffisamment de distance pour une sauvegarde immédiate, d'autant que la région est sous la domination de la famille Colonna, protectrice de longue date de Caravage. Ce séjour est toutefois de courte durée : en effet, sa situation est devenue critique car l'action de la justice romaine, bien qu'initialement lente, se révèle au bout de quelques semaines redoutable et même extraordinairement sévère puisque Caravage est condamné par contumace au bando capitale, c'est-à-dire à un bannissement à vie assorti d'une condamnation à mort qui peut théoriquement être exécutée par quiconque et en tout lieu. Le peintre décide donc rapidement de se réfugier beaucoup plus loin au sud, loin des États pontificaux dont dépend le Latium, mais toujours sous la protection des Colonna : il part donc pour Naples, alors sous domination espagnole, sans doute avant la fin du mois de septembre 1606.

Ce séjour de quelques mois dans le Latium est sans doute l'occasion pour Caravage de produire certaines œuvres, bien que la documentation connue ne permette pas d'affirmer avec certitude que ces créations soient toutes faites pendant cette brève période : il s'agirait du Saint François en méditation et de l'autre Saint François en méditation sur le crucifix de Crémone, ainsi que de la Marie-Madeleine en extase et du Souper à Emmaüs aujourd'hui conservé à Milan. Il est également possible que le David avec la tête de Goliath de la galerie Borghèse soit également produit à cette période, même si des auteurs penchent pour une réalisation plus tardive, voire précédant de peu la mort de l'artiste en 1610.

Errances méditerranéennes

Trajet d'exil de Caravage, 1606-1610. Sa fuite le mène des États pontificaux jusqu'au royaume de Naples et à celui de Sicile, en passant par l'île de Malte.

Premier séjour à Naples

Caravage arrive à Naples quatre mois après avoir quitté Rome, vers la fin du mois de septembre 1606. Bien qu'il n'y séjourne que dix mois avant de repartir en direction de Malte, il vit là une période de création très féconde ; curieusement, aucune archive n'atteste durant cette période de la moindre frasque, de la plus petite accusation ni d'un seul délit de sa part.

Caravage est visiblement très attendu à Naples, du moins dans les milieux artistiques ; selon les termes de son biographe quasi-contemporain Giovan Pietro Bellori qui commente son parcours quelques dizaines d'années plus tard, « il [y trouve] aussitôt à s'employer, car sa manière et son nom étaient déjà connus ». De fait, il reçoit immédiatement des commandes importantes et bien payées, de la part des notables locaux : d'abord un tableau d'autel représentant une Vierge à l'Enfant — tableau aujourd'hui disparu — puis un tableau destiné à décorer une autre église, Les Sept Œuvres de miséricorde. Le tableau de La Flagellation du Christ fait également partie des productions de cette période, de même que Salomé avec la tête du Baptiste et Le Christ à la colonne. Le huitième comte de BenaventeJuan Alonso Pimentel de Herrera, vice-roi d'Espagne en poste à Naples — le royaume napolitain étant placé depuis le début du XVI^e siècle sous l'autorité de la couronne d'Espagne —, passe sans doute commande à Caravage du Saint André qu'il remporte peu après avec lui à Valladolid.

Sans doute est-ce également pendant cette année napolitaine que Caravage réalise La Madone du Rosaire ainsi que son David avec la tête de Goliath, dans l'hypothèse où ce dernier tableau n'a pas été réalisé encore un peu avant d'arriver à Naples.

Chevalier à Malte

Caravage peint La Décollation de saint Jean-Baptiste pour l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem à Malte, ordre hospitalier dont il devient chevalier avant de tomber en disgrâce.
(Co-cathédrale St Jean de La Valette, Malte).

Caravage débarque à La Valette, capitale fortifiée de l'île de Malte, le 12 juillet 1607. Il s'y rend très certainement dans l'objectif d'y être fait chevalier, ce qui va d'ailleurs se produire tout juste un an après son arrivée : l'intention de l'artiste rejoint celle d'Alof de Wignacourt, grand maître des Hospitaliers de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem, qui souhaite pouvoir endosser un rôle de mécène et protecteur des arts. Giovanni Pietro Bellori résume ainsi la situation : « Le Caravage désirait recevoir la Croix de Malte, dont on récompensait ordinairement les hommes qui s'étaient illustrés par leur mérite et leur vertu ; aussi résolut-il de se rendre en l'île de Malte (…) ». Ce projet procède bien sûr du désir de Caravage d'accéder à une forme de noblesse et donc de promotion sociale, pour lui qui est issu d'une famille roturière ; néanmoins, sans doute est-ce aussi une étape dans sa stratégie pour obtenir le pardon papal et ainsi pouvoir un jour rentrer à Rome.

Plusieurs biographes estiment que le séjour de Caravage à Malte est interrompu par un bref passage à Naples, qui irait de septembre 1607 à la fin du mois d'avril 1608, avant de retourner à Malte : dans cette hypothèse, il y aurait non pas un mais deux périodes maltaises.

Mais le séjour de Caravage à Malte tourne court et s'achève dans un nouvel épisode de violence, moins de trois mois après son accès au grade tant convoité de chevalier : dans la nuit du 18 août 1608, il participe à une rixe au domicile de l'un des Frères de l'Ordre, organiste d'une église de La Valette ; cette rixe occasionne de graves blessures chez l'un des Hospitaliers. Avec quelques autres, Caravage est emprisonné — ou au moins mis aux arrêts — mais cela ne l'empêche pas de prendre la fuite sans attendre son procès. Dès les premiers jours d'octobre, profitant sans doute d'un certain nombre de soutiens ou de complicités, il s'échappe de la forteresse Sant'Angelo et embarque en direction de la Sicile. Une enquête est immédiatement lancée à Malte, mais faute de résultat probant elle ne peut qu'aboutir à un constat de fuite et de haute trahison, ce qui mène fin novembre 1607 à la dégradation de Caravage et à son expulsion de l'Ordre, « tan[quam] membrum putridum et foetidum » (« en tant que membre pourri et corrompu »).

La fuite en Sicile

Caravage trouve à Syracuse le soutien de son fidèle ami Mario Minniti, qu'il a déjà employé à plusieurs reprises comme modèle (par ex. dans son Bacchus ci-dessus) ; mais il s'attire aussi des inimitiés et se forge une réputation personnelle peu favorable comme le montre la biographie sicilienne très orientée due à Susinno.

Caravage touche terre au sud de l'île, puis entreprend à pied l'aventureux chemin qui doit le mener tout d'abord à Syracuse. Il n'y fait finalement qu'une brève escale, sans doute auprès de son ami Mario Minniti qui l'aide vraisemblablement à obtenir la commande de sa toile L'Enterrement de sainte Lucie. Mais il ne se sent guère en sécurité et malgré le succès de son œuvre il quitte la ville juste après l'avoir livrée : il s'éloigne alors jusqu'à Messine, cité où il peut compter notamment sur la protection de l'archevêque Giannettino Doria, parent de la marquise Costanza Sforza Colonna qui apporte depuis toujours son précieux concours au peintre lombard. Il y peint La Résurrection de Lazare pour un riche marchand, puis L'Adoration des bergers pour une église franciscaine de Messine ; d'autres commandes semblent avoir été obtenues à cette période, notamment pour quatre tableaux sur le thème de la Passion du Christ, mais dont rien n'indique qu'ils aient été effectivement réalisés.

C'est peut-être une nouvelle affaire de violence qui éloigne Caravage de Messine — où il semble notamment avoir eu une querelle avec un professeur — pour le mener vers Palerme, la grande et bouillonnante cité de l'ouest de l'île, sans doute au courant de l'été 1609. Il y peint à nouveau un retable pour des Franciscains, sur un thème très proche de L'Adoration des bergers de Messine : il s'agit de La Nativité avec saint François et saint Laurent, tableau qui a totalement disparu depuis son vol en 1969 (sans doute sur ordre de la Mafia locale). Se sentant peut-être toujours en danger, toujours poursuivi par divers ennemis à en croire les biographies anciennes de Bellori ou de Baglione, il décide enfin de quitter la Sicile pour revenir vers Naples et y attendre le pardon papal qui doit venir de Rome.

Retour à Naples

Une preuve irréfutable de la présence de Caravage à Naples date de la fin du mois d'octobre 1609, lorsqu'un rapport témoigne que le peintre a été victime d'une violente attaque dans une taverne, qui lui aurait valu d'avoir le visage tailladé, ce que Mancini confirme de son côté par un courrier de début novembre. L'artiste rencontre en tout cas un grand succès à l'occasion de ce retour à Naples, et reçoit d'importantes commandes dont Le Martyre de sainte Ursule pour le compte du prince génois Marcantonio Doria ; sans doute existe-t-il d'autres commandes honorées à cette époque, mais qui sont soit inconnues soit disparues, à l'image de La Résurrection du Christ de Sant'Anna dei Lombardi.

Caravage quitte finalement Naples en felouque pour retourner vers Rome en juillet 1610, mais il trouve la mort en chemin, sur la plage de Porto Ercole.

Finalement, Caravage embarque du port de Naples à Chiaia dans l'intention de revenir vers Rome, où il pense enfin obtenir le pardon papal longtemps espéré. Les circonstances précises de sa navigation sont assez mal établies, mais il semble assez clair qu'à bord de la felouque sur laquelle il embarque se trouvent plusieurs de ses tableaux, peut-être destinés au cardinal Scipion Borghese en récompense de son action judiciaire en faveur de l'artiste ; or, cette felouque revient sans lui vers son port d'attache, puisqu'il trouve la mort à Porto Ercole le 18 juillet 1610. L'embarcation et son chargement reviennent donc vers Naples et le palais Cellamare de Costanza Colonna, et le nonce apostolique Deodato Gentile déclare y trouver trois tableaux : deux représentations de saint Jean-Baptiste (l'un pouvant être celui de la galerie Borghese), et l'une de Marie-Madeleine.

Les différents rapports ou compte-rendus qui sont échangés lors des jours suivant la mort de Caravage montrent de manière unanime qu'il venait bel et bien d'obtenir le pardon du Pape, et donc qu'il aurait pu rentrer à Rome pour y reprendre le fil de sa vie et de sa carrière s'il avait vécu.

Le style tardif

Des œuvres de rédemption

Le cardinal Scipione Borghese, neveu du pape Paul V, a tout pouvoir pour obtenir la grâce que réclame Caravage : celui-ci peint notamment pour lui un David tragique comme s'il implorait son aide en retour.
Portrait par Ottavio Leoni, musée Fesch (Ajaccio).

Certains tableaux répondent très directement aux besoins de Caravage, qui doit trouver le gîte et le couvert, mais plus généralement la protection des puissants. C'est ainsi qu'il peint, par exemple, deux portraits de dignitaires de l'ordre de Malte (celui du grand maître Alof de Wignacourt ainsi que celui d'Antonio Martelli, chevalier de justice de très haut rang). Chaque nouvelle commande honorée à Malte lui permet d'améliorer sa position en se rapprochant des cercles du pouvoir, et de la perspective d'atteindre au statut de chevalier.

Il est également probable que certaines œuvres d'exil soient produites par Caravage pour demander à ses protecteurs de lui permettre d'obtenir le pardon papal et ainsi de revenir vivre à Rome. Il n'est pas rare à l'époque, même pour des crimes de sang, de parvenir à obtenir une grâce lorsqu'on est un artiste de renom, susceptible de fournir en retour des œuvres de valeur. Ainsi, le David avec la tête de Goliath est destiné au cardinal Scipione Borghese qui est chargé auprès du Pape de l'administration judiciaire : à ce titre, il est l'un des mieux placés pour sauver le fuyard. Tout aussi influent est le cardinal Benedetto Ala, président du tribunal pontifical et possible destinataire du Saint François en méditation toujours conservé à Crémone, ville d'origine du prélat ; ou encore le cardinal Ferdinando Gonzaga qui commande son Annonciation.

Au-delà des aspects purement utilitaires, plusieurs commentateurs estiment que certains tableaux jouent un rôle rédempteur, de manière plus ou moins consciente. Cela serait cohérent avec une forme de culpabilité que l'on peut imaginer chez un homme qui, à l'occasion d'une bagarre de rue, a tué à l'épée l'un de ses semblables. L'autoportrait de Caravage en Goliath dans son tableau de David avec la tête de Goliath en constitue une illustration frappante : voilà le peintre représenté décapité, une dernière étincelle de vie dans l’œil, image dantesque du damné condamné à l'errance.

Par ailleurs, divers commentateurs voient aussi une forme d'humanité croissante dans l’œuvre d'exil du peintre — humanité qui marquera son travail jusqu'à sa mort.

Vers les ombres

La version de 1606 du Souper à Emmaüs, réalisée dès le début de la fuite de Caravage et à peine cinq ans après une lumineuse première version, témoigne d'une évolution très nette de la palette ainsi que des choix de composition : comme l'écrit Andrew Graham-DixonAndrew Graham-Dixon, les ombres prennent tant de profondeur qu'il semble que quelqu'un a éteint la lumière qui éclairait la scène. Cette orientation vers le ténébrisme associé au naturalisme est notable, et se révèle en particulier dans l'ensemble du corpus d’œuvres religieuses réalisées à Naples à l'occasion des deux séjours de Caravage : ce corpus est si influent qu'il donne naissance à une véritable école napolitaine dans les décennies qui suivent, orientant notamment l'art de Ribera, puis de Mattia Preti ou encore de Luca Giordano.

L'assombrissement des toiles de Caravage reflète l'état mental et psychologique où il se trouve : certes, bon nombre de tableaux de l'époque servent son intention d'obtenir un pardon afin de pouvoir retourner à Rome, mais ils illustrent aussi la démarche sombrement introspective du peintre, comme le montre le méditatif Saint Jean-Baptiste destiné au cardinal Scipione Borghese. Ses œuvres les plus tardives sont empreintes de tragique et évoquent un véritable désespoir personnel. Ainsi, comme le montre Helen Langdon, le tout dernier autoportrait qu'il incorpore dans une toile (Le Martyre de sainte Ursule) est une reprise de celui de L'Arrestation du Christ mais dans une version exsangue, désespérée et non plus fière et flamboyante.

• Un même autoportrait, mais qui témoigne d'une perte de tout espoir.
• 
  Détail de L'Arrestation du Christ (1602).
• 
  Détail du Martyre de Sainte Ursule (1610).

Un espace repensé

La vision de l'espace de la toile évolue nettement dans la période tardive de Caravage, comme en atteste une comparaison entre ses retables romains et ceux de Malte ou de Sicile. Ses personnages disposent désormais de davantage d'espace pour se mouvoir : ils sont plus souvent positionnés en retrait du bord du tableau et disposés dans un espace architectural défini. Les compositions restent toujours aussi rigoureuses, mais offrent une plus grande profondeur de champ. Les choix de décors (parfois rendus peu visibles par l'état dégradé de certaines toiles siciliennes) témoignent de cette évolution où, comme le montre Helen Langdon, l'espace où évoluent les personnages semble se dilater par rapport aux choix de la période romaine.

• Exemple d'une représentation similaire du Christ, mais dans des espaces différemment définis.
• 
  La scène est étroite et enfermée par les murs dans La Vocation de saint Matthieu (1599-1600).
• 
  L'espace s'est dilaté et semble s'étirer au-delà des limites visibles de la scène dans La Résurrection de Lazare (1609).

Liste des tableaux de la période

Selon les experts, le catalogue de l’œuvre d'exil de Caravage oscille autour d'une vingtaine de tableaux attribués avec certitude, même si certains sont plus contestés. L'historienne de l'art Catherine Puglisi évoque ainsi treize retables, et probablement une douzaine de tableaux de chevalet. Ce catalogue de l’œuvre tardif est relativement plus fiable que celui concernant ses productions de jeunesse, puisque entretemps Caravage a connu à Rome un immense succès, ce qui améliore nécessairement la qualité et la quantité de la documentation autour de ses productions.

Premier refuge dans le Latium, été 1606

Pendant quelques semaines après sa fuite de Rome, tout au plus quelques mois, Caravage trouve d'abord un abri dans les monts Albains au sud de Rome. Certaines œuvres pourraient avoir été produites pendant ce séjour, même s'il n'y a pas de consensus absolu entre les chercheurs en histoire de l'art sur ces datations possibles. Sa nouvelle version du Souper à Emmaüs, si radicalement différente de celle réalisée quelques années plus tôt, marque tout particulièrement son changement de style.

Le Souper à Emmaüs

Le Souper à Emmaüs, 1606,
pinacothèque de Brera (Milan).

Mancini, biographe contemporain de Caravage, explique que ce tableau est réalisé à l'été 1606 pour Ottavio Costa alors que Caravage s'est enfui pour Zangarolo dans les monts Albains : c'est une œuvre qui marque un changement décisif dans son style d'exécution et qui ouvre la période tardive de l'artiste.

Saint François en méditation

Saint François en méditation,
Galerie nationale d'art ancien (Rome).

Les deux Saint François méditants ont une datation contestée, mais pourraient l'un comme l'autre s'insérer dans cette première période de fuite. Celui de Rome, retrouvé en 1968 dans un couvent du Latium, peut avoir été réalisé pour le cardinal Pietro Aldobrandini; celui de Crémone, pour le cardinal Benedetto AlaBenedetto Ala.

Saint François en méditation sur le crucifix,
musée Ala Ponzone (Crémone).

Concernant ce second tableau, en dehors de l'hypothèse du cardinal Ala (archevêque d'Urbino) comme premier destinataire, il est également évoqué le nom d'Ottavio Costa. Rien n'est donc certain, pas même la datation puisque l’œuvre pourrait même être plus tardive (1608 selon certaines estimations) et donc postérieure au séjour de Caravage dans le Latium. Il est également envisagé qu'un siècle plus tard, le tableau soit passé par la collection de M^gr Paul Alphéran de Bussan (en), évêque de Malte, ce qui pourrait accréditer la thèse d'une production à Malte.

Marie-Madeleine en extase

Marie-Madeleine en extase,
collection privée (Rome).

Mancini (repris plus tard par Bellori dans des termes semblables) affirme qu'une Marie-Madeleine est peinte à la même époque que le Souper à Emmaüs, et que Costa serait destinataire des deux œuvres. Mais d'autres archives, datant cette fois de l'année 1610, indiquent la présence d'une Marie-Madeleine parmi les toutes dernières toiles que Caravage aurait laissées au moment de sa mort. L'une comme l'autre hypothèse situent néanmoins la production de cette toile pendant la période d'exil du peintre : soit tout au début, soit à la toute fin. La version ici présentée, abritée à Rome dans une collection particulière, n'est pas nécessairement autographe.

Premier séjour à Naples

Naples est alors sous domination espagnole, ce qui met Caravage provisoirement à l'abri de la justice des États pontificaux. Les commandes de tableaux affluent, surtout pour décorer des églises.

Les Sept Œuvres de miséricorde

Les Sept Œuvres de miséricorde,
Pio Monte della Misericordia (Naples).

Caravage se voit offrir 400 ducats pour réaliser ce grand et complexe retable, ce qui est déjà une somme considérable ; mais son succès est tel que la congrégation de la Miséricorde se voit rapidement proposer 2 000 ducats pour le revendre, ce qu'elle s'interdit formellement de faire par une décision de 1613, quel que soit le prix proposé.
Le thème est celui des « œuvres de miséricorde », ces actes de charité ordinaires qui contribuent à disperser les ombres de l'existence au quotidien.

La Madone du rosaire

La Madone du rosaire,
musée d'Histoire de l'art de Vienne.

Des débats agitent le milieu des historiens de l'art entre tenants d'une production à Naples entre septembre 1606 et juillet 1607, et partisans d'une création plus précoce, à Rome, vers 1604 ou 1605. Cette question est compliquée par l'absence de documentation quant au commanditaire de l’œuvre.

Le Crucifiement de saint André

Le Crucifiement de saint André,
musée d'art de Cleveland.

Commandé avant la fin de 1607 par le vice-roi de Naples, ce tableau est très probablement réalisé la même année. Le musée de Cleveland qui l'abrite propose la date de 1606-1607.
Le traitement du sujet est assez inhabituel, notamment en raison de la forme de la croix qui n'est pas celle généralement attribuée à saint André.

La Flagellation du Christ

La Flagellation du Christ,
musée Capodimonte (Naples).

Initialement installé dans la chapelle de la famille Di Franco l'église San Domenico Maggiore de Naples, c'est au XX^e siècle que le tableau est déplacé au musée Capodimonte afin d'éviter qu'il soit volé. Cette Flagellation précède de peu une tout autre version présentée ci-dessous, celle de Rouen, couramment appelée Le Christ à la colonne. Des analyses techniques ont pu établir la présence de repentirs nombreux et importants, ce que certains auteurs ont interprété comme un indice d'un tableau possiblement réalisé en 1607, mais ensuite repris, complété ou modifié en 1610 lorsque Caravage revient à Naples pour la seconde fois.

Le Christ à la colonne

Le Christ à la colonne,
musée des Beaux-Arts de Rouen.

Dès la fin du XVII^e siècle, divers inventaires de collections d'art attestent de la possession de plusieurs Flagellations qui seraient de la main de Caravage, ce qui complique la tâche des auteurs qui tentent d'établir un catalogue stable — au point que la présente Flagellation du Christ (ou Christ à la colonne) est initialement acquise en 1955 par le musée rouennais comme étant de la main de Mattia Preti. Roberto Longhi est le premier, en 1960, à rendre la paternité du tableau à Caravage ; c'est désormais une opinion universellement suivie. Ce sont surtout des copies d'époque qui attestent d'une production lors du premier séjour à Naples.

Salomé avec la tête de saint Jean-Baptiste

Caravage reprend le même thème un à deux ans plus tard, lorsqu'il revient à Naples.
(Salomé avec la tête de saint Jean-Baptiste, palais royal de Madrid).

Salomé avec la tête de saint Jean-Baptiste,
National Gallery (Londres).

La date de réalisation de ce tableau, retrouvé en 1959 dans une collection privée en France, n'est pas connue de façon certaine. En dépit des discussions à ce sujet, l'attribution à Caravage ne pose désormais plus de difficultés, pas plus que le placement dans les œuvres d'exil (de 1607 à 1610 donc). Son style d’exécution renvoie probablement à la première période napolitaine, mais il n'est pas exclu que Caravage emporte ensuite la toile avec lui lorsqu’il se rend à Malte.
Le même thème de Salomé avec la tête du Baptiste se retrouve dans un autre tableau que Caravage réalise vers 1609, sans doute lorsqu'il revient à Naples.

Période maltaise

Cette période est étonnamment peu productive, au vu de l'habituelle rapidité d'exécution de l'artiste ainsi que de la durée de son séjour sur place, puisqu'il y reste tout de même quinze mois : Caravage n'y réalise sans doute pas plus de cinq tableaux. Néanmoins, les commandes honorées à Malte ont l'avantage de faire avancer le statut de Caravage, qui parvient à accéder au rang de chevalier.

Saint Jérôme écrivant (La Valette)

Saint Jérôme écrivant (galerie Borghese, Rome).

Saint Jérôme écrivant,
musée de la co-cathédrale Saint-Jean de La Valette.

Le Saint Jérôme de La Valette est produit sur commande d'Ippolito Malaspina, dont les armoiries apparaissent sur le côté.

C'est le troisième traitement du même thème par Caravage, après le Saint Jérôme écrivant de Rome (ci-contre) réalisé deux ans plus tôt pour Scipion Borghese, et — probablement — le Saint Jérôme en méditation de Barcelone.

Portrait d'Antonio Martelli

Portrait d'Antonio Martelli,
palais Pitti (Florence).

Martelli est un haut dignitaire de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem. Peindre son portrait peut constituer un atout sérieux pour Caravage, afin d'obtenir les faveurs des dirigeants de l'ordre.

Après une longue période d'oubli dans les collections florentines (la famille Martelli étant originaire de Florence), ce n'est qu'en 1966 que Mina Gregori parvient à réattribuer ce portrait à Caravage, et il faut même attendre la fin des années 1990 pour déterminer avec certitude l'identité du modèle.

Portrait d'Alof de Wignacourt

Portrait d'Alof de Wignacourt,
musée du Louvre (Paris).

Après Martelli, c'est Wignacourt, grand maître de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem, qui obtient son portrait. Cet homme puissant, qui n'a de comptes à rendre qu'au Pape, est celui qui peut conférer à Caravage le statut de chevalier en dépit de son absence de noblesse de naissance.

D'après la biographie de Caravage par Bellori parue en 1672, ce serait non pas un mais deux portraits de Wignacourt que le Lombard aurait peints : dans ce cas, le second portrait est aujourd'hui disparu.

La Décollation de saint Jean-Baptiste

La Décollation de saint Jean-Baptiste,
musée de la co-cathédrale Saint-Jean.

Conçue pour orner la co-cathédrale Saint-Jean de La Valette, cette imposante toile s'y trouve toujours. Elle est commandée par le grand maître de l'Ordre Alof de Wignacourt, comme en témoignent ses armoiries sculptées sur le cadre du tableau.

Amour endormi

Amour endormi,
palais Pitti (Florence).

Amour endormi est peint pour Francesco dell'Antella, à nouveau un haut dignitaire de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem, qui tient pour la Langue d'Italie le rôle de secrétaire auprès du grand maître Wignacourt. Il s'agit du dernier tableau à thème mythologique réalisé par Caravage.

En Sicile

Les retables que Caravage produit en Sicile lui valent non seulement un grand succès public, mais ils marquent aussi durablement des artistes locaux comme Mario Minniti, Filippo PaladiniFilippo Paladini et Alonzo Rodriguez, qui bénéficient d'une forte influence de Caravage et contribuent ainsi à diffuser en Europe ce qui s'appellera plus tard le « caravagisme ».

L'Enterrement de sainte Lucie
église Santa Lucia alla Badia, Syracuse.

Cette très vaste toile, la première que Caravage peint en débarquant en Sicile, lui est commandée par le sénat de la ville afin de décorer une église.

La Résurrection de Lazare,
musée régional de Messine.

Le premier client de Caravage à Messine est un riche commerçant, Giovan Battista de' Lazzari : le thème du tableau porte donc sur le saint chrétien dont il porte le nom. Comme pour l'Enterrement de sainte Lucie, Caravage n'hésite pas à renouveler du tout au tout l'iconographie traditionnelle.

L'Adoration des bergers,
musée régional de Messine.

Le thème de ce tableau, plus paisible que les deux précédents, répond à une commande du sénat de la ville de Messine pour orner une église de frères capucins.

Saint Jean-Baptiste à la fontaine,
collection privée Bonello, La Valette (Malte) ; probable copie.

Ce Jean-Baptiste « à la fontaine » ou « à la source » n'est pas attribué avec certitude à Caravage ; par ailleurs, il en existe plusieurs copies et l'identification de la version autographe n'est pas plus certaine. Toutefois, selon certains auteurs comme Gérard-Julien Salvy, l’œuvre serait bien due à Caravage, qui l'aurait produite pendant son séjour sicilien.

L'Annonciation,
Musée des beaux-arts de Nancy.

Inachevée, endommagée, cette toile pose de nombreuses difficultés pour en retrouver l'origine précise ; le musée de Nancy qui l'héberge la date prudemment de la période 1607-1610, c'est-à-dire au cours de la période d'exil du peintre. Mais il est probable pour certains auteurs qu'elle soit entamée lors du séjour à Messine, sur commande du cardinal Gonzaga qui œuvre à la réhabilitation judiciaire de Caravage.

La Nativité avec saint François et saint Laurent.

Volée in situ dans l'oratoire San Lorenzo de Palerme en 1969, cette toile reste introuvable depuis.

Second séjour à Naples

Bien que ce second séjour napolitain soit bref (situé quelque part entre octobre 1609 et juillet 1610), il n'en est pas moins très productif ; pour Helen Langdon, Caravage y développe même encore un nouveau style, plus sombre, tranchant dans le vif de la narration et abordant très directement les questions de la mort et du péché humain.

L'existence d'une autre version de Salomé (conservée à Londres) complique la datation et l'identification des deux tableaux, qui semblent toutefois être tous deux à attribuer à la période tardive du peintre.

Salomé avec la tête de saint Jean-Baptiste,
palais royal de Madrid.

Pour Bellori, lorsque Caravage revient à Naples il fait envoyer ce tableau à Malte comme un présent, dans l'espoir d'apaiser la colère du grand maître Wignacourt.

Il est difficile d'identifier avec certitude la Salomé de Madrid comme étant celle mentionnée par Bellori ; mais un consensus existe autour d'une datation dans les dernières années de la vie du peintre, comme le propose déjà Roberto Longhi dès 1927.

Pour lire un argumentaire opposé, c'est-à-dire qui tend à montrer (sur un plan essentiellement technique) que c'est au contraire la Salomé de Londres qui est celle citée par Bellori, et qui est donc la plus tardive, voir Keith p. 46-49.

David avec la tête de Goliath,
galerie Borghèse (Rome).

La datation tardive de ce tableau n'est pas certaine : plusieurs auteurs préfèrent le situer dans les années 1606-1607, c'est-à-dire au tout début de l'exil. Toutefois, d'autres arguments soulignent que la seconde période napolitaine pourrait être plus logique à cause d'éléments stylistiques mais aussi à cause du traitement du thème : la supplique du condamné envers ses possibles protecteurs est ici très évidente.

Le Reniement de saint Pierre,
Metropolitan Museum of Art (New York).

Bien que l'attribution de ce tableau à Caravage ne pose pas de difficultés, sa datation précise est compliquée par son état de conservation et par l'absence d'archives permettant de suivre avec certitude son trajet avant 1945 : John T. Spike propose ainsi une datation « ouverte » allant d'environ 1607 à 1610.

Le Martyre de sainte Ursule,
palais Zevallos (Naples).

Il s'agit d'une commande du prince Marcantonio Doria en 1610, mais il faut attendre les années 1980 pour identifier à nouveau correctement ce tableau et son auteur grâce au travail d'archives de Pacelli, qui confirme l'intuition de Mina Gregori. Sur la droite du tableau apparaît un ultime autoportrait du peintre, en écho à celui de L'Arrestation du Christ huit ans auparavant.

L’œuvre est en mauvais état, à cause d'un choix malheureux dès sa réception en 1610 : l'agent de son commanditaire choisit alors de l'exposer en plein soleil pour faire sécher plus vite son vernis, ce qui a pour effet de le liquéfier et finalement d'assombrir considérablement toute la surface de la peinture.

Saint Jean-Baptiste allongé,
collection privée, Munich.

La datation et même l'attribution de ce tableau à Caravage sont contestées. Des chercheurs estiment pourtant qu'il pourrait s'agir du Saint Jean Baptiste que Caravage aurait eu en sa possession au moment où il trouve la mort sur le chemin du retour vers Rome, en compagnie d'un second Saint Jean Baptiste et d'une Marie Madeleine (citée plus haut pour Marie-Madeleine en extase).

Saint Jean-Baptiste,
galerie Borghèse, Rome.

Un consensus s'est progressivement installé pour situer la production de ce Saint Jean-Baptiste non pas dans sa période romaine mais dans la période la plus tardive de Caravage, et sans doute en 1609 ou 1610. Il pourrait s'agir du second Baptiste présent dans la felouque qui ramène le peintre de Naples vers Rome.

Notes et références

Bibliographie

• Giovan Pietro Bellori (trad. de l'italien par Brigitte Pérol), Vie du Caravage [« Michelangelo Da Caravaggio »] (extrait de Vies de peintres, sculpteurs et architectes modernes (1672)), Paris, éditions Gallimard, coll. « Le Promeneur », 1991, 1^re éd., 62 p., 17 cm (ISBN 2-0707-2391-7).
  Original réimprimé et réédité en 2000 par Arnaldo Forni : (it) Giovanni Pietro Bellori, Le Vite dei pittori', scultori ed architetti moderni [« Vies de peintres, sculpteurs et architectes modernes »], 1672, 1^re éd., 462 p. (lire en ligne), « Michelangelo Da Caravaggio », p. 200-216.
• Laurent Bolard, Caravage : Michelangelo Merisi dit Le Caravage, 1571-1610, Paris, Fayard, 2010, 282 p., 24 cm (ISBN 978-2-2136-3697-9, présentation en ligne).
• Sybille Ebert-Schifferer (trad. de l'allemand par Virginie de Bermond et Jean-Léon Muller), Caravage, Paris, éditions Hazan, 2009, 319 p., 32 cm (ISBN 978-2-7541-0399-2).
• (en) Andrew Graham-Dixon, Caravaggio : a life sacred and profane [« Caravage : une vie sacrée et profane »], Londres, Allen Lane, 2010 (réimpr. 2011), xxviii-514, 18 cm (ISBN 978-0-241-95464-5, présentation en ligne, lire en ligne [EPUB]).
• (en) Helen Langdon, Caravaggio : a life [« Caravage : une vie »], Boulder, Westview Press, 2000 (1^re éd. 1998), 436 p., 23 cm (ISBN 0-8133-3794-1).
• Catherine Puglisi (trad. de l'anglais par Denis-Armand Canal), Caravage, Paris, Éditions Phaidon, 2005 (réimpr. 2007), 1^re éd., 448 p., 26 cm (ISBN 978-0-7148-9995-4).
  Original en anglais : (en) Catherine Puglisi, Caravaggio, London, Phaidon Press Limited, 1998 (réimpr. 2000, 2003 et 2010), 1^re éd., 448 p., 25 cm (ISBN 978-0-7148-3416-0).
• Gérard-Julien Salvy, Le Caravage, Paris, Gallimard, coll. « Folio biographies » (n^o 38), 2008, 316 p., 18 cm (ISBN 978-2-07-034131-3).
• Sebastian Schütze et Benedikt Taschen (éd. scientifique) (trad. de l'allemand par Michèle Schreyer), Caravage : l'œuvre complète [« Caravaggio. Das vollständige Werk »], Cologne et Paris, Taschen, 2015 (1^re éd. 2009 (de)), 306 p., 41 cm (ISBN 978-3-8365-0182-8).
• (en) John T. Spike et Michèle K. Spike (collaboratrice), Caravaggio [« Caravage »], New York/Londres, Abbeville Press, 2010, 2^e éd. (1^re éd. 2001), 623 p., électronique (ISBN 978-0-7892-1059-3, lire en ligne [PDF]).

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