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Aujourd’hui dimanche 1 novembre 2026
L'affaire du Rôdeur est un scandale créé par un voyage de traite négrière illégale française en 1819, du Havre à la Guadeloupe. À cette époque, la traite négrière est théoriquement interdite en France depuis quelques années, sous la pression des Britanniques, mais dans les faits le gouvernement français ferme les yeux sur ce trafic très rentable.
Pendant la navigation des côtes africaines à la Guadeloupe, les esclaves transportés et les marins du Rôdeur tombent gravement malades, atteints d'ophtalmie. Une grande partie d'entre eux deviennent aveugles. La capitaine du navire, Boucher, fait jeter par-dessus bord des esclaves les plus malades, vivants. Le bateau parvient à rejoindre la Guadeloupe, en refusant de porter secours à l'équipage d'un autre navire, atteint du même mal et disparu ensuite.
De retour au Havre, M. Maignan, le chirurgien du bateau, lui-même devenu aveugle, rédige un compte rendu de cette tragique traversée. Celui-ci est publié par Sébastien Guillié, directeur de l'institution royale des jeunes aveugles, afin de constater médicalement que cette maladie est très contagieuse. Tous deux ne mesurent pas le scandale politique à venir. Le capitaine du bateau passe en justice pour traite illégale et pour avoir fait noyer les esclaves, mais finalement la Cour de cassation enterre l'affaire.
Les atrocités de ce voyage sont dénoncées par les abolitionnistes français, comme Joseph-Elzéar Morénas, Benjamin Constant ou Victor de Broglie, qui veulent obtenir une interdiction effective de la traite, objectif qui sera atteint en 1827. Cette affaire a également un retentissement important au Royaume-Uni. Par ses détails sordides, y compris le refus de secourir un autre bateau dont les marins sont également devenus aveugles et la déclaration du sinistre causé par la perte des esclaves auprès de la compagnie d'assurances, cette histoire devient emblématique des crimes de la traite. La mémoire en est conservée dans des œuvres d'art, des poèmes des écrivains britannique et américains James Montgomery, John Greenleaf Whittier et Robert Hayden ou une série de peintures de l'artiste britannique et tanzanienne Lubaina Himid.
Programme du mois
Dimanche 1er novembre 2026L'affaire du Rôdeur est un scandale créé par un voyage de traite négrière illégale française en 1819, du Havre à la Guadeloupe. À cette époque, la traite négrière est théoriquement interdite en France depuis quelques années, sous la pression des Britanniques, mais dans les faits le gouvernement français ferme les yeux sur ce trafic très rentable. Pendant la navigation des côtes africaines à la Guadeloupe, les esclaves transportés et les marins du Rôdeur tombent gravement malades, atteints d'ophtalmie. Une grande partie d'entre eux deviennent aveugles. La capitaine du navire, Boucher, fait jeter par-dessus bord des esclaves les plus malades, vivants. Le bateau parvient à rejoindre la Guadeloupe, en refusant de porter secours à l'équipage d'un autre navire, atteint du même mal et disparu ensuite. De retour au Havre, M. Maignan, le chirurgien du bateau, lui-même devenu aveugle, rédige un compte rendu de cette tragique traversée. Celui-ci est publié par Sébastien Guillié, directeur de l'institution royale des jeunes aveugles, afin de constater médicalement que cette maladie est très contagieuse. Tous deux ne mesurent pas le scandale politique à venir. Le capitaine du bateau passe en justice pour traite illégale et pour avoir fait noyer les esclaves, mais finalement la Cour de cassation enterre l'affaire. Les atrocités de ce voyage sont dénoncées par les abolitionnistes français, comme Joseph-Elzéar Morénas, Benjamin Constant ou Victor de Broglie, qui veulent obtenir une interdiction effective de la traite, objectif qui sera atteint en 1827. Cette affaire a également un retentissement important au Royaume-Uni. Par ses détails sordides, y compris le refus de secourir un autre bateau dont les marins sont également devenus aveugles et la déclaration du sinistre causé par la perte des esclaves auprès de la compagnie d'assurances, cette histoire devient emblématique des crimes de la traite. La mémoire en est conservée dans des œuvres d'art, des poèmes des écrivains britannique et américains James Montgomery, John Greenleaf Whittier et Robert Hayden ou une série de peintures de l'artiste britannique et tanzanienne Lubaina Himid. |
Lundi 2 novembre 2026 L'abbaye Notre-Dame d'Abondance (ou abbaye d'Abondance) est une ancienne abbaye de chanoines réguliers du Chablais située à Abondance dans le département de la Haute-Savoie et la région Auvergne-Rhône-Alpes. Elle a été fondée vers 1100 par des religieux issus de l'abbaye Saint-Maurice d'Agaune, désireux de mener une vie régulière et érémitique dans un contexte de réforme du clergé. Rapidement, Abondance fonde quatre abbayes-filles dans l'ancien diocèse de Genève et dans le Jura, donnant naissance à une congrégation régionale. Celle-ci disparaît au début du XVIIe siècle lors de la réforme de l'abbaye d'Abondance par François de Sales. L'abbaye est supprimée en 1761. Les bâtiments de l'abbaye sont classés au titre des monuments historiques par la liste de 1875. Elle est particulièrement connue pour le cycle de peintures murales représentant la vie de la Vierge qui orne son cloître du XIVe siècle. |
Mardi 3 novembre 2026 L’Enfield Modèle 1853 est un fusil à poudre noire, canon rayé et chargement par la bouche conçu en 1853 par l'Arsenal royal d'Enfield. Produit de 1853 à 1867, il entre en service à partir de 1855 dans l’armée britannique, qui le fourni immédiatement à ses troupes engagées dans la guerre de Crimée. L’arme joue également un rôle important lors de la révolte des cipayes de 1857, sa cartouche huilée à la graisse de bœuf et de porc ayant attisé la colère des troupes indigènes auxquelles elles sont distribuées, ces matières étant taboues à la fois dans l’hindouisme et l’islam. En dehors de l’Empire britannique, le Modèle 1853 est utilisé pendant la guerre de Sécession, notamment par les Confédérés, même si les deux camps en ont abondamment fait usage. Fortement inspiré du fusil Minié français, le Modèle 1853 comprend ainsi plusieurs nouveautés sur une arme de conception anglaise. C’est notamment le cas des bandes métalliques attachant le canon à la carcasse et du système de fixation de la baïonnette, inconnus jusque-là au Royaume-Uni, mais en usage en France depuis le XVIIIe siècle. C’est toutefois surtout sa cartouche, directement dérivée de la balle Minié, qui profite le plus des avancées françaises. L’armée britannique est en effet jusque-là essentiellement équipée de fusils à canon lisse, dont la précision, la portée et la létalité sont médiocres. À l’inverse, le Modèle 1853 tire des balles dont la vitesse est considérablement plus élevée, ce qui améliore leur balistique et leur fait causer des blessures bien plus graves. Remplacé en 1866 par le Snider dans l’armée britannique, le Modèle 1853 a également été décliné en plusieurs variantes. Il s’agit essentiellement de versions raccourcies destinées à la cavalerie et à l’artillerie, qui seraient gênées dans leurs manœuvres par un fusil de pleine taille. Une variante originale est le « modèle indien », développé après la révolte des cipayes afin de donner à ces derniers une arme moins performante que celle des fantassins britanniques dans la perspective d’une nouvelle révolte. |
Mercredi 4 novembre 2026.jpg) Vénus anadyomène est un sonnet d'Arthur Rimbaud. Il fait partie des vingt-deux poèmes remis par Rimbaud en 1870 à son ami Paul Demeny à Douai, et qui constituent ce qu'on appelle parfois le Recueil Demeny ou Cahier de Douai. Le sonnet est porté à la connaissance du public en 1891 dans le volume Reliquaire, dont il est le deuxième poème. Vénus anadyomène signifie « Vénus sortie des eaux ». Le poème fait en effet référence au mythe antique de la naissance de Vénus, déesse de l'amour et de la beauté, née de l'écume de l'Océan. Ce mythe, abondamment illustré par une longue tradition artistique, est abordé par Rimbaud d’une manière déconcertante et provocatrice. Le jeune poète décrit minutieusement, à la manière d'un blason, de la tête au fondement, une femme laide ― généralement associée à une prostituée ―, alors qu'elle sort de son bain. Celle-ci est tatouée de l'inscription latine Clara Venus (« Illustre Vénus ») et est « hideusement » affectée d'un ulcère à l'anus. Le poème a fait l'objet de multiples interprétations parfois contradictoires. Ce contre-blason, sorte d'éloge à Vénus inversé, est traditionnellement perçu comme une réponse misogyne du poète à ses premiers poèmes parnassiens. D'autres critiques, en particulier Steve Murphy, y voient au contraire une dénonciation de « la souillure de la femme prolétarienne par l'homme » sous le Second Empire. |
Jeudi 5 novembre 2026Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre est un film comique franco-allemand écrit et réalisé par Alain Chabat et sorti en 2002. Adapté de l'album de bande dessinée de 1965 Astérix et Cléopâtre de René Goscinny et Albert Uderzo, le film raconte le voyage en Égypte d'Astérix et d'Obélix, accompagnés du druide Panoramix, effectué afin de prêter main-forte à Numérobis, un architecte égyptien chargé de construire un palais monumental en l'espace de trois mois, à la suite d'un pari conclu entre la reine Cléopâtre VII et le général romain Jules César. Sur place, ils doivent déjouer les manigances d'Amonbofis, le rival de Numérobis, qui tente de retarder le chantier afin de faire gagner à César son pari. Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre est réalisé par Alain Chabat, deuxième fois qu'il occupe ce rôle après le film Didier, sorti cinq ans plus tôt. Christian Clavier et Gérard Depardieu reprennent respectivement les rôles d'Astérix et d'Obélix qu'ils avaient déjà pris dans le film précédent, Astérix et Obélix contre César. Ils sont entourés de plusieurs acteurs en vue au début des années 2000, parmi lesquels Jamel Debbouze, Monica Bellucci et Isabelle Nanty. Le tournage se déroule dans trois pays, et le budget du long métrage s'élève à 50,3 millions d'euros de l'époque. Le film reçoit un accueil critique globalement favorable et rencontre un succès public important en France, où il se classe en tête de la fréquentation en salles lors de l'année 2002. Il figure également huitième au classement français des films ayant généré les recettes les plus élevées. Il est suivi en 2008 par Astérix aux Jeux olympiques. En juillet 2023, à l'initiative d'Alain Chabat, le film ressort en salles en France dans une version restaurée en 4K High Dynamic Range (HDR). |
Vendredi 6 novembre 2026 Constantin VII Porphyrogénète (en grec : Κωνσταντίνος Ζʹ Πορφυρογέννητος, Kōnstantinos VII Porphyrogennētos), né le à Constantinople et mort le dans la même ville, est empereur byzantin de 913 jusqu'à sa mort, bien qu'il n'exerce effectivement le pouvoir qu'à partir de 944-945. Il appartient à la dynastie macédonienne. Né dans un contexte de controverse religieuse sur la légitimité de l'union entre sa mère et son père, il est très tôt associé au trône. Toutefois, la mort de son père intervient alors qu'il est encore enfant, ce qui favorise la compétition pour la régence et le pouvoir. C'est l'amiral Romain Ier Lécapène qui s'impose et met en place une tutelle étroite sur le jeune Constantin. Même parvenu à la majorité, il ne peut gouverner et est cantonné à un rôle largement symbolique. Un temps concurrencé par le fils aîné de Romain, Christophe Lécapène, il finit par obtenir le pouvoir en janvier 945, après une révolution de palais qui expulse les deux autres fils de Romain, parvenus eux-mêmes au pouvoir par un coup d'État. Durant son règne effectif, il contribue à la consolidation d'un Empire alors prospère. À l'extérieur, il s'appuie sur des généraux de premier ordre, en particulier en Orient, qui permettent à l'Empire d'envisager l'extension de ses frontières au détriment des puissances musulmanes. En Occident et dans les Balkans, il s'efforce de garder de bonnes relations avec les souverains italiens et germaniques et avec les Bulgares. À l'intérieur, il légifère dans différents domaines, en particulier celui du régime de la propriété foncière, un sujet primordial dans l'équilibre social et politique byzantin. Surtout, son règne est souvent associé à la renaissance macédonienne, un mouvement de grande production culturelle, dont il est lui-même l'un des principaux instigateurs. Parfois dépeint comme un amoureux des arts et de la culture, au détriment de l'exercice politique du pouvoir, il est à l'origine de plusieurs ouvrages fondamentaux dans la compréhension de la civilisation byzantine, en matière d'organisation administrative, de pratiques politiques mais également de relations avec les peuples extérieurs à l'Empire. De ce fait, il est régulièrement vu comme l'incarnation de ce moment d'épanouissement intellectuel, même si les historiens modernes estiment que Constantin, tout en étant le commanditaire ou l'auteur de ces ouvrages, n'en oublie pas pour autant de gouverner l'Empire et que ces deux objectifs ne sont d'ailleurs pas incompatibles dans sa manière d'être empereur. |
Samedi 7 novembre 2026.jpg) L'abeille impériale, évocation plus ou moins stylisée de l'insecte, est un symbole du Premier et du Second Empire, adopté par Napoléon Ier en 1804. Inspiré par un supposé emblème mérovingien, utilisant l'abeille héraldique traditionnelle, il remplace la fleur de lys d'or sur fond d'azur rattachée à la royauté des Capétiens et représente le pouvoir impérial français de 1804 à 1814, durant les Cent-Jours en 1815, et sous Napoléon III de 1852 à 1870. Lorsqu'il instaure l'Empire en , Napoléon Ier cherche à doter son nouveau régime de symboles capables de rompre avec la Révolution et l'Ancien Régime tout en s'ancrant dans une histoire prestigieuse. Après des débats au Conseil d'État, l'aigle est choisi comme emblème impérial, en référence à l'Empire romain et l'empire de Charlemagne. Parallèlement, l'abeille, proposée par Vivant Denon et Cambacérès, devient son symbole personnel, employé à la manière de la fleur de lys d'apparence similaire, sur les armoiries, costumes et décors officiels. Vue comme le plus ancien insigne de la monarchie française depuis l'exhumation de broches en forme d'abeilles dans le tombeau du roi des Francs Childéric Ier au XVIIe siècle, l'abeille permet à Napoléon de se rattacher à l'ancienne royauté française tout en évitant le souvenir de la dynastie des Bourbons déchue seulement douze ans plus tôt. L'abeille incarne aussi une vision politique : sous l'autorité d'un chef, une société disciplinée et hiérarchisée, travailleuse, combattante et féconde. Découvert en 1653 à Tournai, le tombeau de Childéric, père de Clovis, renfermait notamment 300 bijoux zoomorphes insectoïdes en or cloisonné et grenats. L'humaniste Jean-Jacques Chifflet pensa alors que ces broches décoraient un vêtement d'apparat du roi, à la manière plus tard du manteau semé de fleurs de lys porté par les rois de France. Il interprèta ainsi l'abeille comme l'emblème royal des Mérovingiens et, au vu de sa forme, l'assimila à un potentiel ancêtre graphique de la fleur de lys, dérivant de signification au fil du temps. Auparavant, au XVIe siècle, le roi capétien Louis XII avait utilisé comme emblèmes l'abeille et la ruche, modèle d'une société à l'ordre parfait. Des monnaies d'Henri III et Henri IV figuraient aussi ces motifs. À la Révolution, la jeune Première République en quête de nouveaux attributs écarta l'idée de l'abeille, au motif que les ruches ont une reine. L'abeille impériale fait sa première apparition le lors du sacre de Napoléon Ier sous une forme renouvelée aux ailes déployées, très stylisée, proche du dessin de la fleur de lys. L'empereur adopte ensuite un motif tiré de l'abeille de style mérovingien, aux ailes rabattues sur le dos, qui devient la forme traditionnelle de l'abeille impériale. Le meuble héraldique préexistant de l'abeille, ou « mouche à miel », déjà employée par des familles aux XVIIe et XVIIIe siècles, est repris pour les armoiries liées à l'Empire français, de ses personnalités et de ses villes. La Restauration revient à la fleur de lys. Sous le Second Empire, Napoléon III rétablit l'abeille impériale, symbole d'ailleurs parfaitement en accord avec cette époque de révolution industrielle. L'abeille impériale subsiste sur des édifices construits ou modifiés sous le Premier ou le Second Empire. Les historiens contemporains réfutent que l'abeille aurait été le symbole de la royauté mérovingienne et que ce motif ait donné lieu par transformation à la fleur de lys. Les « abeilles » d'or du tombeau de Childéric, qui pourraient aussi bien être des mouches ou des cigales, représentaient pour les Mérovingiens la résurrection et l'immortalité. |
Dimanche 8 novembre 2026 Le 35e anniversaire de Super Mario Bros. est une célébration de la série de jeux vidéo Super Mario, créée par Shigeru Miyamoto. Lancée avec la sortie de Super Mario Bros. le au Japon, la série compte depuis plus d'une vingtaine de jeux publiés sur chacune des principales consoles de Nintendo. Selon plusieurs fuites rapportées pour la première fois par Video Games Chronicle en , Nintendo prévoit initialement de célébrer cet anniversaire plus tôt dans l'année. En raison de la pandémie de Covid-19, les festivités sont toutefois reportées à septembre. L'anniversaire est officiellement annoncé lors d'un Nintendo Direct diffusé le et se déroule jusqu'au . À cette occasion, Nintendo publie plusieurs jeux de la franchise Mario sur Nintendo Switch. Parmi les nouveaux titres figurent Paper Mario: The Origami King, Super Mario Bros. 35 et Mario Kart Live: Home Circuit, tandis que Super Mario 3D All-Stars et Super Mario 3D World + Bowser's Fury sont des compilations de jeux préexistants. Une édition limitée de la console portable Game & Watch est également commercialisée. Celle-ci inclut Super Mario Bros., Super Mario Bros.: The Lost Levels ainsi qu'une nouvelle version du jeu Ball. L'ensemble de ces jeux reçoit un accueil globalement favorable de la part de la critique. En parallèle des jeux vidéo, Nintendo collabore avec de nombreuses entreprises afin de commercialiser des produits dérivés. Parmi eux figurent les ensembles Lego Super Mario, développés en partenariat avec The Lego Group et intégrant des figurines électroniques interactives, ainsi que des vêtements et jouets conçus en collaboration avec Levi's, UHU et Hasbro. Des événements sont également organisés pour accompagner les célébrations, notamment l'ouverture du parc à thème Super Nintendo World. |
Lundi 9 novembre 2026L'âge moderne des comics est une période de l'histoire de la bande dessinée américaine qui s'étend des années 1986-1987 à aujourd'hui. Après l'âge d'or (des premiers comic books en 1938 à la mise en place de la censure en 1954) et l'âge d'argent (de la fin des années 1950 au début des années 1970) les comics ont connu une nouvelle période nommée l'âge de bronze. Durant celle-ci, qui dure des années 1970 à 1986, le monde des comics, après avoir connu une période brillante, perd de sa superbe. Les ventes fléchissent, les super-héros sont concurrencés par le kung-fu ou l'heroic fantasy et la crise économique et sociale que traversent les États-Unis trouve un écho sombre dans les pages colorées des comics. De nombreux éditeurs disparaissent et ce ne sont pas les éditeurs de comics underground — dont les ventes restent confidentielles — qui peuvent sauver l'industrie. En 1986, quatre séries relancent l'intérêt des lecteurs pour les comics. Crisis on Infinite Earths, The Dark Knight Returns et Watchmen, tous trois publiées par DC Comics, montrent que les comics de super-héros peuvent aussi traiter de sujets adultes. Quant à Maus, elle met en lumière la production alternative. À partir de cette date, les ventes de comics augmentent jusqu'à atteindre au début des années 1990 des millions d'exemplaires. Cependant cette envolée est portée en partie par une bulle spéculative. Lorsque celle-ci éclate en 1994, les ventes s'effondrent, entraînant la disparition d'éditeurs, de sociétés de distribution et de magasins spécialisés dans la vente de comics. Il faut plusieurs années pour que le secteur se stabilise mais sans que les ventes retrouvent les sommets précédents. Cette crise touche moins les éditeurs alternatifs dont les lecteurs sont bien moins sensibles aux modes mais la fermeture de nombreux magasins limite leurs ventes. Ce genre de comics montre combien les qualités d'écriture jouent un rôle important pour fidéliser le lectorat. Les autres éditeurs vont eux aussi mettre en valeur les scénarios. Cela améliore les ventes mais d'autres éléments sont à prendre en compte : les crossovers qui s'étalent sur plusieurs séries et la recréation régulière des personnages. Cette période est marquée par le développement de personnages bien plus sombres et à la moralité moins claire que ceux des décennies précédentes. De plus, des personnages féminins qui sont aussi sexy que dangereux participent de cette ambiguïté propre à séduire les lecteurs des années 1990 qui sont surtout de jeunes adultes blancs. Cela évolue depuis les années 2000 car les éditeurs cherchent à élargir leur lectorat en mettant en avant des personnages plus proches de la diversité de la population américaine. De plus, le nombre d'autrices augmente. En dehors des comic books, la bande dessinée américaine se retrouve également dans des romans graphiques qui sont distribués aussi dans les librairies et permettent d'attirer des lecteurs qui ne fréquentent pas les magasins spécialisés. Cette forme de bande dessinée est récente et se développe comme les webcomics alors que les comic strips des journaux se raréfient, disposent de moins de place et se cantonnent de plus en plus au genre humoristique. Comme la bande dessinée américaine, et surtout celle des alternatifs, a montré qu'elle n'était pas condamnée à ne raconter que des combats de super-héros, le regard qui était porté dessus a évolué. Certains comics sont vendus dans des librairies, des articles de journaux en parlent, des ouvrages leur sont consacrés et des études universitaires s'y intéressent. La diffusion d'adaptations en films, en séries et en jeux vidéo améliore aussi la visibilité des œuvres originales. |
Mardi 10 novembre 2026.jpg) Peter et Elliott le dragon (Pete's Dragon) est le 30e long-métrage d'animation des studios Disney. Mêlant animation et prises de vues réelles comme Mary Poppins (1964) et L'Apprentie sorcière (1971), il est réalisé par Don Chaffey et sort en 1977. La production de Peter et Elliott le dragon est lancée en parallèle de celle des Aventures de Bernard et Bianca, sorti à l'été 1977. Malgré une animation limitée à un seul personnage, qui n'était pas prévu comme étant visible à l'origine, le film nécessite de nombreux animateurs. C'est le premier film entièrement réalisé par la nouvelle génération d'animateurs des studios après le départ des Neuf Sages de Disney. Le film utilise aussi beaucoup d'effets spéciaux, une spécialité du studio Disney. La direction parie sur une comédie musicale pour renouveler le succès de Mary Poppins, engageant même une chanteuse à succès, Helen Reddy. Mais le film ne rencontre qu'un faible succès en salles. À sa sortie, la critique fait une comparaison avec le dernier chef-d'œuvre de Walt Disney, au désavantage de Peter et Elliott. Helen Reddy est aussi pointée du doigt, mais les critiques plus tardives soulignent surtout l'absence de Walt Disney, la sentant peser sur le studio. Une sorte d'adage finit par émerger, qui vaut pour toute la période des Studios Disney de 1973 à 1988 : « Qu'aurait fait Walt ? » Malgré cet échec, le personnage d'Elliott fait partie de l'écurie Disney au point d'avoir un char dans la parade éclectique Main Street Electrical Parade ou une apparition dans Qui veut la peau de Roger Rabbit (1988). Le film a fait l'objet d'une nouvelle adaptation, Peter et Elliott le dragon (2016). |
Mercredi 11 novembre 2026.jpg) Une minute de silence conforme au rite initial est un arrêt collectif de deux minutes observé pour commémorer l'Armistice du , où « travail, parole et mouvement » cessent afin que chacun, dans une immobilité absolue, se tourne vers le souvenir des morts de guerre. Ceci reprend la volonté du roi George V formulée le pour l'Empire britannique. Ainsi est créé un rite laïque public autonome, nommé, reproductible et codifié. Adoptée ou non par certains États, la durée initiale de deux minutes s'avère ultérieurement variable : souvent d'une minute ou deux, elle est au minimum de trente secondes et peut aller jusqu'à six minutes. En effet, l'élément central est la suspension collective et synchronisée de l'activité ordinaire. Précédemment, des moments de silence existent. Ils sont le fait de cérémonies funéraires, d'événements politiques ou d'hommages parlementaires. En 1919, le journaliste australien Edward George Honey propose un silence national en mémoire des morts de guerre. De son côté, l'homme politique sud-africain James Percy FitzPatrick propose une pause silencieuse à l'échelle de l'Empire britannique. La paternité du rite est ainsi tantôt attribuée à Honey, tantôt à FitzPatrick, le premier est associé à la formulation publique de l'idée, et le second à sa transmission vers les institutions politiques. Initialement, la volonté de George V va « à la onzième heure du onzième jour du onzième mois » — heure et date de l'entrée en vigueur de cet Armistice —, mais la date peut varier. Paraissent concernés les espaces politiques directement liés aux « principales puissances alliées et associées » du traité de Versailles, mais la diffusion est plus large. Ainsi, dans les États issus ou proches de l'Empire britannique, elle demeure notamment liée au souvenir de l'armistice ou aux cérémonies du Remembrance Day. En France, elle est progressivement intégrée aux commémorations du , puis à des hommages nationaux ou locaux. Ailleurs, elle prend place dans des cérémonies liées aux guerres, aux catastrophes, aux attentats, aux génocides, aux deuils parlementaires ou aux hommages sportifs. Au XXIe siècle, elle constitue ainsi un rite civique d'usage mondial, employé par des États, des organisations internationales, des assemblées nationales, des collectivités, des associations ou des institutions sportives. La minute de silence est un rite non religieux, compatible avec des convictions diverses : les participants peuvent prier, se souvenir, réfléchir ou simplement respecter l'hommage collectif. Elle repose sur des signes visibles — station debout, immobilité, suspension de la parole — et peut être introduite ou conclue par un signal sonore, une sonnerie, une sirène ou un hymne. Son usage n'est pas exempt de limites : sa multiplication peut affaiblir sa portée solennelle, et son inscription dans des contextes politiques peut susciter des contestations. Une minute d'applaudissements, parfois proposée en alternative, relève d'un autre type d'hommage collectif. |
Jeudi 12 novembre 2026 Le parc archéologique européen de Bliesbruck-Reinheim (en allemand : Europäischer Kulturpark Bliesbruck-Reinheim) est un parc archéologique situé de part et d'autre de la frontière franco-allemande et partagé entre les communes de Reinheim dans la Sarre et de Bliesbruck en Moselle. Ce projet transfrontalier a été initié en 1989. Il montre au sein d'un espace de soixante-dix hectares les vestiges archéologiques retrouvés sur les lieux. Un musée complète le dispositif. Les principaux vestiges exposés sont d'une grande diversité : la tombe princière de Reinheim, un vicus gallo-romain et une vaste villa romaine. Avec des restes archéologiques du Mésolithique, de l'âge du bronze, des périodes celtique et romaine, puis des migrations germaniques de l'Antiquité tardive, le site témoigne d'une occupation permanente de la vallée de la Blies sur une période de six mille ans. En dépit de partis pris différents en France et en Allemagne, qui se nourrissent mutuellement, le caractère unique de la coopération en fait, selon l'archéologue Diane Dusseaux, « une des réalisations majeures du paysage archéologique contemporain ». |
Vendredi 13 novembre 2026_(53817989765)_(cropped).jpg) Tarja Soile Susanna Turunen-Cabuli, née le , connue professionnellement sous le nom de Tarja Turunen ou simplement Tarja, est une auteure-compositrice-interprète de heavy metal finlandaise. Elle est une soprano lyrique qui possède une étendue vocale de trois octaves. Sa voix est souvent qualifiée comme étant « puissante et émouvante ». Elle est réputée pour sa maîtrise technique dans l'interprétation des musiques classique et metal. Turunen étudie le chant à l'Académie Sibelius et à l'université de musique de Karlsruhe. Elle est chanteuse de lied classique professionnelle et ancienne chanteuse du groupe de metal symphonique finlandais Nightwish, qu'elle fonde avec Tuomas Holopainen et Emppu Vuorinen en 1996. Leur combinaison de riffs de guitare saturée et rapide avec la voix dramatique et « opératique » de Turunen a rapidement permis au groupe d'atteindre une popularité critique et commerciale. Leur style de metal symphonique, surnommé « opéra metal », a inspiré de nombreux autres groupes de metal. Turunen est exclue du groupe le , juste après la représentation du concert End of an Era, pour des raisons personnelles. Elle commence sa carrière solo en 2006 avec la sortie d'un album de Noël intitulé Henkäys Ikuisuudesta. En 2007, elle sort My Winter Storm, un album mettant en vedette divers styles, dont le metal symphonique, puis commence le Storm World Tour, elle donne ainsi plusieurs concerts en Europe et joue dans de nombreux festivals de metal comme le Graspop Metal Meeting et le Wacken Open Air. À la fin de sa tournée, la chanteuse sort son troisième album, What Lies Beneath, qui est suivi par une tournée qui se termine en . Son premier DVD live Act I, publié en , est filmé lors de cette tournée les et à Rosario, en Argentine. Elle lance le Colours in the Dark World Tour en pour promouvoir son quatrième album, Colours in the Dark. Son deuxième DVD live est filmé lors du concert Beauty and the Beat en compagnie de Mike Terrana et sort en . En , Tarja Turunen sort son premier album studio de musique classique, Ave Maria – En Plein Air. En , elle sort The Shadow Self précédant l'EP The Brightest Void sorti le . En , elle publie son second album de Noël, From Spirits and Ghosts, reprenant des classiques de Noël réarrangés avec des influences gothiques. Ils sont suivis par In the Raw (2019), Dark Christmas (2023) et Frisson Noir (2026). Turunen est l'une des chanteuses les plus populaires de son pays. Elle est élue voix de la Finlande par l'ancienne présidente du pays, Tarja Halonen, et est souvent invitée à participer aux émissions de télé-crochet de la télévision finlandaise ou comme jury pour des concours locaux. Elle est nommée six fois au prix des Emmas Awards et est, en 2009, nommée pour un Grammy Awards, en collaboration avec le groupe Schiller. |
Samedi 14 novembre 2026.jpg) The Mask, ou Le Masque au Québec, est une comédie fantastique américaine réalisée par Chuck Russell, sortie en 1994. Inspiré par une série de comics publiée par Dark Horse Comics, le film suit Stanley Ipkiss, banal employé de banque vouant une passion aux cartoons de Tex Avery qui trouve par hasard un masque lui permettant de se transformer. Le film révèle au public Jim Carrey, également porté la même année par Ace Ventura, ainsi que Cameron Diaz, qui tient son premier rôle au cinéma. The Mask reçoit un accueil critique favorable et remporte un grand succès commercial, la quatrième place du box-office mondial de 1994. Une série d'animation d'après le film est diffusée de 1995 à 1997. Une suite, Le Fils du Mask, sans Carrey, est sortie en 2005. The Mask acquiert plus tard le statut de « film culte ». |
Dimanche 15 novembre 2026 Alexandre (en grec : Ἀλέξανδρος), né en 869 ou 870 et mort le , est un empereur byzantin de la dynastie macédonienne. Fils de Basile Ier, il est associé au trône vers 879 puis demeure coempereur durant tout le règne de son frère Léon VI, sans participer de manière significative au gouvernement et semble entretenir des relations complexes, voire conflictuelles avec lui. À la mort de Léon en 912, il devient le principal détenteur du pouvoir aux côtés de son jeune neveu Constantin VII, alors mineur. Son règne personnel, qui ne dure que treize mois, est marqué par une importante recomposition de l'entourage impérial, le rappel du patriarche Nicolas Mystikos et la déposition d'Euthyme, ainsi que par la rupture de la paix avec le souverain bulgare Siméon Ier le Grand. Mort en , Alexandre laisse le pouvoir à Constantin VII, encore enfant. Les sources byzantines ont transmis de lui une réputation particulièrement négative, le décrivant comme débauché, superstitieux et incapable. Depuis les travaux de Patricia Karlin-Hayter, cette image est fortement nuancée : sans réhabiliter son gouvernement, l'historiographie souligne le caractère polémique des principales sources et la difficulté de distinguer la personnalité réelle de l'empereur de la légende noire construite après son règne. En outre, l'iconographie de son règne, quoique modeste, est d'une valeur explicative certaine pour appréhender certains traits de son exercice du pouvoir. |
Lundi 16 novembre 2026 Tricholoma portentosum, le Tricholome prétentieux, est une espèce de champignons (Fungi) basidiomycètes de la famille des Tricholomataceae. Cette espèce est originaire de l'ensemble de l'écozone paléarctique et du nord-ouest du néarctique. Son mycélium entretient une symbiose mycorhizienne principalement avec le Pin sylvestre et plus largement avec d'autres espèces de Pins. Ce champignon fructifie en troupe en fin d'automne où il est relativement courant, voire abondant. T. portentosum est assez difficile à différencier de certains de ses congénères gris du genre Tricholoma dont il partage la silhouette charnue caractéristique, le pied solidaire du chapeau, les lames échancrées, la sporée blanche et la chair d'un blanc immuable. Seules les fibrilles de son chapeau ressemblant à des cheveux, les reflets jaunes dans ses lames et à la base de son pied et la cuticule de son chapeau pelable pourront le distinguer à coup sûr d'espèces toxiques telles que le Tricholome de Josserand auquel il peut être mêlé. Du point de vue taxonomique, il est proche du Canari. Des points de vue populaire, biologique et chimique, il est proche du Petit-gris. Champignon comestible réputé et reconnu au goût iodé, le Tricholome prétentieux est apprécié dans l'ensemble de l'Eurasie où il est parfois récolté en masse. Ses composants sont semblables à ceux des autres Tricholomataceae et, à ce titre, il constitue un apport correct en fibres et moyen en protéines. Il se révèle être un faible bioaccumulateur de métaux lourds et un bioaccumulateur moyen concernant la radioactivité. Quant à sa mise en culture, les expérimentations de laboratoire sont prometteuses. |
Mardi 17 novembre 2026.jpg) La Planète des singes : Les Origines ou La Montée de la planète des singes au Québec (Rise of the Planet of the Apes) est un film de science-fiction américano-britanno-canadien réalisé par Rupert Wyatt, sorti en 2011. Le scénario est de Rick Jaffa et Amanda Silver. Ce film relance pour la deuxième fois, la franchise Planète des singes inspirée du roman de Pierre Boulle. L'histoire suit un chimpanzé du nom de César qui voit ses sens améliorés après que le chimiste Will Rodman a testé un médicament sur la mère du singe alors qu'il était un fœtus. Élevé par Will, César comprend rapidement qu'il est différent et il tente de trouver sa place parmi les humains puis auprès de ses congénères les singes. Les scénaristes écrivent l'histoire en 2005, mais ce n'est qu'après plusieurs réécritures que le studio 20th Century Fox lance la production début 2010. Le tournage commence en juillet de la même année principalement à Vancouver au Canada mais aussi à San Francisco et à Hawaï. La musique du film est composée et dirigée par Patrick Doyle. Le film parle de l'arrogance humaine vis-à-vis des autres espèces et de l'émancipation de l'une de ces dernières. Le développement humain est également évoqué à travers le parcours du personnage de César, qui est, ironiquement, un singe. Par de nombreuses références, La Planète des singes : Les Origines rend hommage au premier film La Planète des singes (1968). Il reprend aussi la structure narrative du film La Conquête de la planète des singes (1972). La Planète des singes : Les Origines est un succès commercial et critique. Il remporte plusieurs prix pour ses effets spéciaux ainsi que pour le travail d'acteur d'Andy Serkis. Il sort en vidéo en . |
Mercredi 18 novembre 2026 Anytos (en grec ancien Ἄνυτος / Ánytos) est un Titan de la mythologie grecque, attesté uniquement par Pausanias le Périégète dans sa Description de la Grèce. Selon la tradition locale des Arcadiens, il est le père nourricier de Despoina, fille de Déméter et Poséidon, et déesse principale du sanctuaire de Lycosoura. Anytos est représenté dans le groupe statuaire du temple de Despoina, réalisé par le sculpteur Damophon de Messène vers la fin du IIIe siècle ou le début du IIe siècle. Il y est montré debout, à côté de Despoina, sous les traits d’un homme en armes portant une cuirasse et tenant une lance. Sa statue, dont la tête est conservée, constitue la seule figure masculine du groupe. Une pièce de monnaie de Mégalopolis représentant le groupe de divinités au revers et l'impératrice romaine Julia Domna au droit témoigne de l'attitude générale que présentait jadis la statue. Pausanias cite également Anytos parmi les Titans impliqués dans le démembrement de Dionysos. Bien que son statut de Titan soit sujet à controverse, son implication dans le cycle dionysiaque peut fournir une explication mythique à l'absence totale du dieu en Arcadie. La présence d'Anytos comme parèdre de Despoina le rend comparable à d'autres daimones protecteurs de la mythologie grecque, tels que les Courètes, les Corybantes et les Dactyles. D'un point de vue chthonien, il peut être considéré comme l'époux de Despoina, à l'instar d'Hadès pour Perséphone et, de plus, comme une divinité de la régénération et du renouvellement de la vie. |
Jeudi 19 novembre 2026 Emmanuelle de Dampierre (en italien : Emanuela di Dampierre et en espagnol : Emanuela de Dampierre y Ruspoli), par son mariage duchesse de Ségovie et duchesse d'Anjou, est née le au palais Ruspoli, à Rome en Italie, et morte dans la même ville, au palais Massimo alle Colonne, le . Épouse du prince Jacques-Henri de Bourbon, duc de Ségovie et d'Anjou puis prétendant légitimiste au trône de France et prétendant alphonsiste et carliste au trône d'Espagne, elle est une figure du mouvement légitimiste français ainsi qu'une personnalité du gotha. Elle grandit dans une famille de la noblesse française — son père avait hérité du titre de duc de San Lorenzo Nuovo en 1906 — et épouse, en 1935, l’infant Jacques-Henri, duc de Ségovie, fils de l'ex-roi Alphonse XIII et de l'ex-reine Victoire-Eugénie. En tant que duchesse de Ségovie, avec son mari et ses fils Alphonse et Gonzalve, elle personnifie la jeune génération de la monarchie espagnole en exil. Emmanuelle assume néanmoins une place « en retrait » dans la famille royale, étant considérée par son beau-père le roi déchu comme épouse morganatique. En 1941, son mari devient le chef de la Maison de Bourbon, et assume en 1946 sa prétention au trône de France avec le titre de duc d’Anjou. Pendant la Seconde Guerre mondiale, le couple princier se sépare, Jacques-Henri et leurs deux fils se réfugiant en Suisse, tandis qu’Emmanuelle reste à Rome, étant infirmière de la Croix-Rouge. La famille se retrouve finalement en Suisse en 1943, après l'armistice de Cassibile. Après la guerre, le couple se sépare définitivement et fait annuler civilement son mariage par un tribunal civil roumain. Remariée en Italie, Emmanuelle demeure l’épouse légitime de Jacques-Henri pour l’Église catholique et le régime franquiste. En 1971, lorsque son fils aîné Alphonse se retrouve fiancé à Carmen Martínez-Bordiú, petite-fille de Franco, Emmanuelle se retrouve sur le devant de la scène médiatique. Devenue veuve à 61 ans, elle est considérée par une partie des monarchistes français comme la « reine mère » et continue à s’investir dans le légitimisme renaissant, notamment après le décès de ses fils Alphonse (1989) et Gonzalve (2000), et jusqu'à la fin des années 2000. Devenue la doyenne de la famille royale espagnole, Emmanuelle décède à Rome en 2012 à l’âge de 98 ans. |
Vendredi 20 novembre 2026 Le pont André-Lévy est un pont situé sur le Lez à Montpellier, dans le département de l'Hérault, en France. Dessiné par Rudy Ricciotti, il est long de 75 m et large de 17 m. Qualifié de « projet expérimental » par son architecte, ce pont est le premier ouvrage d'Europe entièrement réalisé en béton fibré ultra-performant et se caractérise par la finesse de ses structures. Envisagé dès les années 1990 pour accompagner le développement de Port Marianne, le pont entre en construction en pendant un peu plus d'un an, puisqu'il ouvre aux piétons et aux cyclistes début , l'inauguration ayant lieu le suivant. Initialement appelé le « pont de la République », il prend en celui d'André Lévy, ancien professeur de la faculté de médecine et adjoint à la culture de Georges Frêche. Son ouverture à la circulation automobile, dépendante de l'aménagement des voies nouvelles adjacentes, a finalement lieu le . |
Samedi 21 novembre 2026 La conférence de Niš du est la première rencontre officielle germano-bulgare depuis le déclenchement des opérations contre la Serbie durant la Première Guerre mondiale. À cette rencontre assistent officiellement des plénipotentiaires austro-hongrois et ottomans, représentants des deux autres membres de la Quadruplice. Initialement réunis pour pérenniser les dispositions des accords conclus à l'automne précédent, les participants se divisent sur la question de la dévolution des territoires serbes conquis durant la campagne des Balkans tandis que les représentants allemands et austro-hongrois tentent d'imposer aux Bulgares les conditions auxquelles le gouvernement de Sofia doit s'acquitter du remboursement des prêts consentis par les banques centrales allemande et austro-hongroise. En dépit de ce succès germano-austro-hongrois, la conférence se solde par un semi-échec, le roi des Bulgares Ferdinand Ier se montrant intransigeant, notamment sur les questions territoriales. |
Dimanche 22 novembre 2026.jpg) Djusqu'au solia (en français : « Jusqu'au soleil ») est le premier recueil de poésie wallonne de Jean Guillaume. Composé entre 1944 et 1946, il parait en 1947 à Namur, aux éditions Mosanes. Constitué de 62 poèmes répartis en cinq parties, il explore déjà les grands thèmes qu'on trouve avec constance dans l'œuvre de Guillaume : l'enfance et le souvenir de ses parents, la question des origines et l'interrogation sur soi-même, l'inspiration religieuse. Il est composé en wallon de Fosses-la-Ville, la localité de la province de Namur dont l'auteur est originaire. Accueilli favorablement par la critique qui loue sa sobriété, couronné lors de l'édition 1949 du Prix biennal de la Ville de Liège, ce recueil amorce une période de grande productivité pour Guillaume en tant que poète ; celle-ci perdure jusqu'à l'édition d'Aurzîye, en 1951. Tout au long de la deuxième moitié du XXe siècle, des poèmes issus de Djusqu'au solia font l'objet de rééditions dans des anthologies de la littérature wallonne, y compris dans certains ouvrages de grande importance comme Poètes wallons d'aujourd'hui et Anthologie de la littérature dialectale de Wallonie. Certains ont aussi fait l'objet de traductions en anglais, en italien et en espéranto. |
Lundi 23 novembre 2026 Aspasie (en grec ancien Ἀσπασία / Aspasía), née vers à Milet, cité grecque d'Ionie en Anatolie, et morte après 428, probablement vers 400, est une intellectuelle grecque métèque résidant à Athènes. Après son installation à Athènes, elle engage une relation sentimentale avec l'homme d'État Périclès. Selon le récit historique traditionnel, elle exerce comme courtisane ; des chercheurs modernes ont remis en question le fondement factuel de cette affirmation issue de la comédie antique. Alors qu'Aspasie est l'une des femmes du monde gréco-romain dont la vie est la mieux documentée, ainsi que la figure féminine la plus importante de l'histoire d'Athènes au Ve siècle, presque rien n'est certain concernant le déroulement de son existence. La relation entre Aspasie et Périclès débute entre 452 et 441. Les érudits, anciens comme modernes, ont décrit Aspasie tantôt comme la concubine de Périclès, tantôt comme son épouse de jure ou de facto. Ensemble, ils ont un fils, Périclès le Jeune. Périclès l'a peut-être également défendue contre une accusation d'asebeia mentionnée dans les récits traditionnels consacrés à la vie d'Aspasie. Comme pour son statut de courtisane, ce récit pourrait également provenir de la comédie athénienne, et plusieurs chercheurs modernes en contestent l'historicité. Après la mort de Périclès en 429, on pense qu'elle épouse l'homme politique Lysiclès. On ne sait rien de la vie d'Aspasie après la mort de ce dernier en 428. Les auteurs athéniens de comédies antiques dépeignent Aspasie comme une prostituée et une tenancière de maison close, exerçant un contrôle jugé inapproprié et excessif sur Périclès. Cette approche est également reprise par le biographe romain Plutarque. Les auteurs philosophiques antiques la décrivent comme une rhétoricienne et une philosophe de talent. Elle pourrait avoir servi de modèle au personnage de Diotime dans Le Banquet de Platon. Les premières représentations d'Aspasie à l'époque moderne suivent généralement cette dernière approche, bien que la caractérisation qu'en donne Plutarque soit devenue plus prégnante dans les représentations du XIXe siècle. Depuis le XXe siècle, elle est dépeinte à la fois comme une femme sexualisée et sexuellement libérée, et comme une figure féministe luttant pour les droits des femmes dans l'Athènes antique. |
Mardi 24 novembre 2026 L'Alpine A350 est une monoplace de Formule 1 conçue par les ingénieurs Richard Bouleau et Henri Gauchet pour le compte du constructeur français Alpine. Elle est équipée d'un moteur V8 Renault-Gordini et de pneumatiques Michelin. L'A350 est testée par le Belge Mauro Bianchi dans l'optique d'un engagement en Formule 1 lors du Grand Prix de France 1968. Jean Rédélé, le fondateur d'Alpine, désire s'engager dans la discipline-reine du sport automobile dès 1963, mais son projet ne reçoit pas le soutien de Renault. En 1968, il espère obtenir une subvention du gouvernement français en imaginant une monoplace de Formule 1 totalement française, en s'associant avec le pétrolier Elf et en utilisant un moteur Renault-Gordini. Son projet est motivée par les bons résultats de son équipe en Formule 3 et en Formule 2. Ainsi, Richard Bouleau conçoit l'A350, destinée à la Formule 1 et équipée d'un bloc Renault-Gordini de trois litres, le même que celui propulsant l'Alpine A220 engagée en endurance. Elle se distingue par une suspension à plat qui lui permet d'obtenir une excellente tenue de route et un freinage efficace. Le pilote Mauro Bianchi teste l'Alpine A350 sur la piste d'essais Michelin de Ladoux, située à Clermont-Ferrand, puis sur le circuit de Zolder en Belgique, et à Zandvoort aux Pays-Bas, où le meilleur temps obtenu aurait permis de se qualifier en milieu de grille au Grand Prix des Pays-Bas 1967. Néanmoins, le moteur Renault-Gordini rend une centaine de chevaux aux blocs Cosworth et Ferrari, les plus puissants du plateau. Alpine désire engager l'A350 au Grand Prix de France, mais Jean Rédélé reçoit de la part de Renault l'interdiction d'utiliser le moteur Renault-Gordini V8, dont les performances pourraient écorner la réputation du constructeur français. Quelques mois plus tard, le châssis A350 est détruit. |
Mercredi 25 novembre 2026 Les Bijoux de la Castafiore est le vingt et unième album de la série de bande dessinée Les Aventures de Tintin, créée par le dessinateur belge Hergé. L'histoire est d'abord pré-publiée du au dans les pages du journal Tintin, avant d'être éditée en album de soixante-deux planches aux éditions Casterman en 1963. Les Bijoux de la Castafiore, qui se déroule uniquement au château de Moulinsart et ses alentours, est le seul album de la série qui possède une unité de lieu, mais également le deuxième de la série, après Le Secret de La Licorne, où les personnages ne voyagent pas. Album déroutant, Les Bijoux de la Castafiore est une œuvre à part dans l'univers de Tintin. Trois ans après Tintin au Tibet, considéré comme son album le plus personnel, Hergé poursuit sa remise en question des codes de la bande dessinée. Conçue comme une « vague intrigue policière », selon ses propres mots, cette anti-aventure se compose d'une série de trompe-l'œil et de faux indices. Les personnages de cette vaste comédie sont tour à tour suspectés d'un vol de bijoux qui, finalement, n'en est pas un. Dans cette histoire où l'action et l'aventure sont absentes, le lecteur est pourtant tenu en haleine par les nombreux rebondissements et chausse-trapes que glisse l'auteur. Le langage figure au centre de cette « histoire de fous », comme la qualifie Pierre Assouline, alors que les quiproquos, lapsus et malentendus s'enchaînent et contribuent au brouillage de l'intrigue autant qu'ils la font avancer. L'humour est aussi omniprésent dans cet album considéré comme « le sommet insurpassable du comique hergéen » par Thierry Groensteen. Tout au long de l'album, Hergé développe un certain nombre de thèmes, comme la peur de l'étranger à laquelle s'opposent Tintin et le capitaine Haddock en portant assistance à un groupe de Tziganes envers et contre tous les préjugés, ou encore le concept de bonne distance entre les individus développé un siècle auparavant par le philosophe Arthur Schopenhauer. L'histoire renferme également de nombreux messages érotiques cachés qui renforcent l'ambiguïté des relations entre le capitaine et la Castafiore. L'album signe également l'entrée de Tintin dans l'ère médiatique et témoigne du regard critique que porte l'auteur sur cet univers. Tandis que Moulinsart accueille le tournage d'une émission de télévision, les essais d'un modèle de téléviseur en couleurs mis au point par le professeur Tournesol s'avèrent infructueux et le dessinateur, à travers les reportages de la presse people, dénonce une forme de journalisme donnant la priorité au scoop plutôt qu'à la vérité. L'abondance des médias et leur place grandissante dans la société sont donc transposées dans un album qui interroge le lecteur sur sa perception du réel, tout autant qu'il révèle un certain désenchantement de l'auteur par rapport à son personnage et au monde qui l'entoure. Selon Benoît Peeters, Les Bijoux de la Castafiore est pour Hergé son chant du cygne et son dernier chef-d'œuvre. Succès critique plus que populaire, il n'en demeure pas moins l'album le plus traduit de la série, notamment en langues régionales. Il a en outre fait l'objet de nombreuses adaptations, que ce soit à la radio, au théâtre ou à l'opéra. |
Jeudi 26 novembre 2026 Les animaux à bord du Titanic sont des animaux de différentes espèces qui se trouvent sur le paquebot transatlantique au cours de son voyage inaugural et de son naufrage, survenu du 14 au . Peu avant le début de la traversée de l'océan Atlantique, des chiens, des chats, des poules ainsi que d'autres oiseaux montent à bord du Titanic et cohabitent avec une population de rats et d'invertébrés. Parmi les chats se trouve la femelle Jenny, présentée comme la mascotte du paquebot, qui vit dans les cuisines avec ses chatons et sert, par ailleurs, à chasser les rats. Les chiens appartiennent en majorité à des passagers de première classe et sont logés dans des chenils situés sur le pont des embarcations et mis sous la responsabilité du charpentier du navire, John Hutchinson, à l’exception de quelques-uns qui voyagent dans les cabines de leurs propriétaires. Parmi les personnalités présentes à bord, le millionnaire John Jacob Astor IV embarque aux côtés de son airedale terrier, tandis que le bouledogue français du banquier Robert Williams Daniel monte aussi à bord. Une exposition canine est prévue par les propriétaires le matin du , mais n'a jamais lieu à cause du naufrage survenu la nuit même. Très peu des animaux voyageant à bord du Titanic survivent au naufrage. Seuls trois des chiens présents sur le paquebot sont emmenés sur les canots de sauvetage par leurs propriétaires et survivent au drame. Les autres sont enfermés dans leurs chenils pendant une grande partie du naufrage et ne sont libérés que tardivement après la collision contre l'iceberg. À la suite de la catastrophe, certains propriétaires des animaux ayant péri à bord effectuent des demandes d'indemnisation auprès de la White Star Line pour la perte de leurs animaux. |
Vendredi 27 novembre 2026L'article qui doit apparaître ici n'a pas encore été sélectionné. |
Samedi 28 novembre 2026L'article qui doit apparaître ici n'a pas encore été sélectionné. |
Dimanche 29 novembre 2026L'article qui doit apparaître ici n'a pas encore été sélectionné. |
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